El Fin del Camino es el Comienzo del Camino

"No es chiste, es la Vida"
poliptico en 5 piezas
acrilico sobre lienzo
48" x 82"





Presento las dos ultimas obras del Seminario: la primera es el poliptico cuyas piezas ya habia discutido por separado anteriormente. "No es chiste, es la Vida" es el título que he dado al políptico en su forma integral, pues me parece una alegoría de la Vida: la lucha entre el bien y el mal, el pasado, el presente y el futuro, los obstáculos del camino, la esperanza del triunfo, los que nos combaten, los que nos apoyan y los que nos miran sin reaccionar, la realidad y la fantasía. Los personajes guía la vista a un recorrido por toda la obra y el diseño de los fondos apoya el movimiento de la mirada. Las piezas, que por separado tenían un sentido, al unirse crean una narrativa de proporciones épicas. El nino santo se convierte en un superheroe, en la figura central de la obra, alrededor del cual reaccionan los demas personajes de una u otra manera.

La segunda y ultima de mis obras del Seminario es un lienzo sencillo, que constituye el cierre del concepto que he venido desarrollando a lo largo de este semestre. Basado tambien en viejas fotos personales presenta a dos personajes en el agua: un adulto y un nino que, mientras nadan se encuentran frente a frente con una gigantesca serpiente. El adulto reacciona con desden, mientras el nino alarga su mano como para tocar el hocico del animal. He titulado la obra "Curiosity killed the cat" como adelantando un desenlace tragico a la narrativa de la pieza.

"Curiosity killed the cat"

acrilico sobre lienzo

48" x 24"

Dos artistas del Espacio 1414

Los dos artistas del Espacio 1414 que escogi para resenar son Takashi Murakami y Enoc Perez.

Murakami ""Bluedob"

Takashi Murakami (1962- ) es japones. Hizo su doctorado en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Musica de Tokio. Su especialidad fue el "nihonga" un estilo japones de dibujo del siglo 19 que combino elementos del dibujo japones tradicional con el dibujo occidental. Sin embargo, Murakami se desilusiono del arte tradicional japones al entrar en contacto con el "otaku" que el el nombre que se le da en Japon al consumerismo y a los japoneses occidentalizados. Murakami se adhirio entonces al movimiento "Poku" (Pop) y desarrollo el estilo que lo caracteriza, el "superflat", un estilo basado en el uso de colores primarios solidos, imitando la ilustracion y las caricaturas. Sus obras no solo consisten de pinturas, dibujos y grafica, tambien, a la manera de Jeff Koons y de Warhol, inclye esculturas que parecen juguetes, instalaciones y hasta una linea de carteas y accesorios que vende al disenador Louis Vuitton. Murakami entiende que el arte en Japon no es apreciado y se siente obligado a promocionarse en el exterior. Para eso establecio su taller, el "Hiropon Factory", donde sus ayudantes producen y venden las obras de Murakami, y la Compania Kaikai Kiki para administrar sus operaciones y promoverlas.

Enoc Perez (1967- ) es un joven artista nacido en Puerto Rico y residente en Nueva York. Sus pinturas son reproducciones de fotos de personas allegadas a el o de lugares y paisajes iconicos. Con una paleta opaca y lugubre que recuerda a Luc Tuymans y con la adicion de rayados y chorreos, la obra de Perez es melancolica y fantasmal.

Perez "Hotel San Juan"2004 Oleo

Diseccion de la obra de seminario

Como he mencionado antes, la obra que hasta ahora he desarrollado para este Seminario, consta de dos piezas. La primera es un retrato 18 x 24 que he titulado preliminarmente "Nigua con nino" y que se presento terminada en la primera evaluacion el trimestre pasado. de las dos piezas esta es la mas fiel a su fuente, una foto de mi ninez. El elemento animal refuerza la evocacion de mi ninez de dos maneras: por un lado, refleja la afinidad que siempre he tenido con los animales, que me llevo de nino a tener todo tipo de mascotas y de adulto a graduarme de biologo. Por otro lado, evoca los cuentos que me hacian mi padres de sus respectivas infancias en el Puerto Rico rural de los 20, 30 y 40.

La otra pieza es un poliptico de 5 lienzos que, en su conjunto, constituyen una obra de gran formato. La presentare completada por primera vez hoy, fecha de la tercera evaluacion del seminario. El poliptico fue disenado a la manera de los que se hacian en el siglo 15, donde cada pedazo podia funcionar por sus propios meritos como una obra independiente, pero al juntarlos se integraban en una sola pieza. Hoy no presentare el poliptico en su conjunto (ni dare todavia el nombre preliminar de la pieza). Lo hare despues de la evaluacion. Lo que quiero presentar ahora es un analisis de cada pieza por separado, para establecer la identidad individual de cada una. Tendran que disculpar las malas fotos, pero carezco de destrezas en la fotografia.

"El Circo"

El primer lienzo (los estoy presentado por orden cronologico, del mas viejo, que es este, al mas nuevo) contiene 6 personajes colocados alrededor de un plano amarillo que hace las veces de tarima. La mayor parte del fondo es de color rojo, de una tonalidad muy caliente a la extrema izquierda (nuestra izquierda) que se va enfriando segun se mueve a la derecha, hasta encontrar un espacio azul. Los gestos de los personajes son burlones y cinco de ellos miran hacia nuestra izquierda a algo que no vemos en ese lienzo. El personaje restante esta de frente a los demas, pero participa tambien de la risa general. Los tratamientos de los personajes son diferentes. Unos son realistas, otros muestran deformaciones obvias, propias de seres fantasticos. En el centro del lienzo hay un personaje cuya piel muestra unos colores que pueden evocar el pelaje de un animal, un ser humano desollado o, incluso, un ser cibernetico. El le saca la lengua al espectador y extiende amenazadoramente un brazo-navaja. este personaje nace de mi gusto por el cine de horror y de ciencia ficcion. A la izquierda, el personaje que da el frente a los demas esta pintado de manera caricaturesca y celebra mi gusto por los comics y los manga. Entre ellos dos hay una pareja, uno de los cuales tiene el torso completamente deforme. Los otros dos personajes existen para dar una vision mas completa del ambiente sordido que el lienzo evoca: "la perfida mujer" y "el enfermito". Los gestos exagerados y la paleta chillona los he tomado del realismo cinico, el movimiento surgido en la China de los 90. Me fascina ese estilo que satiriza la obra grafica producida por el regimen maoista hasta fines de los anos 70, especialmente el artista Fang Lijun. En su conjunto, este cuadro presenta una escena que podria interpretarse como sacada del "freak show" de un circo, pero donde los perversos y anormales son los espectadores en vez de ser el espectaculo. Se me sugirio que chequeara la obra de Tolouse Lautrec y enfriara los colores para dar la impresion de una escena nocturna y lugubre. Efectivamente, estudie la obra de Lautrec y lo que encontre es que aun el tiene pinturas con escenas lugubres, tambien tiene muchas obras donde la escena nocturna esta fuertemente iluminada. Las figuras fueron tomadas de un foto personal y reinterpretadas en el lienzo

"El nino-santo"

Aqui hay un homenaje al barroco latinoamericano, especialmente a las pinturas de Maria la Virgen del Mexico del siglo 18, donde Maria aparece siempre parada sobre la serpiente representativa del mal y las paletas utilizadas son de colores brillantes. El nino es la Virgen de la Nueva Era. Si la Madre de Dios en la era masculina de Piscis era mujer, porque en la era femenina de Acuario no puede ser hombre? El azul es un color representativo del amor desapasionado. Los lagartos simbolizaban nuevos comienzos, renaceres, reencarnaciones ( en contraste con la simbologia de su prima la serpiente). Los lagartos son iguanas de la Isla de Mona. Hay un espacio amarillo de forma triangular que evoca el simbolo mistico de la piramide. La figura del nino santo es sacada de un retrato de mi ninez y se paso de un medio al otro con bastante fidelidad.

"Los espectadores"

Un grupo de caras flotando en un lienzo alargado que miran con expectacion hacia su izquierda (nuestra derecha) como esperando que ocurra algo con cierta ansiedad. el tratamiento y el dibujo de las caras es mas libre que en las piezas anteriores, dando a entender que aunque parezcan rostros adultos hay algo infantil (inmaduro?) en los mismos. El fondo tiene una estructura geometrica que tambien apunta hacia su izquierda. Los rostros son tambien interpretaciones de fotos familiares.

"El gin y el lagarto cosmico"

Nuestra palabra "genio" proviene del arabe "gin". Los gins arabes eran seres con poderes capaces de materializar los deseos y que usaban para enganar, confundir y seducir a los humanos necios o para premiar y fortalecer a los sabios. En la extrema derecha de una obra que se compone de dos piezas, sobre un fondo azul, la cabeza de un gin flota sola y escupe un hermoso lagarto divino (una siguana del bosque seco de Guanica), como si se estuviera creando nuevamente el Universo. Se me ha senalado una semjanza de esta imagen con la obra de Francesco Clemente. Aunque estudie con mucho interes a ese pintor hace algunos anos, realmente no hubo una intencion consciente de evocar su obra. Si hubo la intencion de evocar los mitos de la gran serpiente o el gran lagarto representativos del cosmos que aparecen en el antiguo Egipto y en la Africa negra precolonial.

El poliptico y mi obra de Seminario

"Altar de Ghent"

Jan Van Eyck

Siglo 15

El poliptico se desarrollo en el periodo Gotico como una forma de adornar los altares de las iglesias. Durante el Siglo 15, en los albores del Renacimiento, se desarrollo una moda en la confeccion de polipticos, donde cada pieza mostraba una escena diferente y los elementos unificadores de la obra lo constituian la paleta de color y un personaje principal alrededor del cual se desarrollaba la narrativa de las imagenes. Un ejemplo espectacular de esto es el Altar de Ghent de Jan Van Eyck. Es este periodo del poliptico el que me ha interesado en mi obra y este es el concepto que he usado como fundamento de mi pieza. La diferncia principal es que he desacartado la paleta clasica en favor de una paleta estridente, donde los colores son personajes tambien de la pieza.

Gracias Rio Loiza y Artista

"Noli me tangere"

Martin Beck

(2000)

"Right-Side Dyptych"

Edward Wright

(2006)

Rio Loiza no se acuerda pero me recomendo chequear a Martin Beck el trimestre pasado y asi lo hice. En aquella ocasion ya yo estaba trabajando con la pieza del "Nino-santo" y cuando vi la obra de Beck "Noli me tangere" del 2000, quede patidifuso. Otro nino santo en un fondo azul, aunque la obra de Beck trasmite cierta perversidad que la mia no contiene. Las sincronicidades se han globalizado.

Con Edward Wright quede muy impresionado. Su paleta apastelada y opaca, a lo Luc Tuymans, es sublime, pero lo que mas me impresiona es su cinismo. Obviamente, Wright, como yo, se ha convertido en un estudioso del movimiento conocido como "realismo cinico" que desarrollaron los artistas chinos en los noventa y que ahora se ha puesto de moda en el mundo. Gracias Artista.

Por Increible que Parezca...

... termine el poliptico. ha sucedido el pasado fin de semana. Cuando "solo me faltaban los detalles finales" he trabajado como un burro sabado y domingo. Pero me quedo chuchin. Me parece que resolvi bien los problemas que tenia de composicion y el resultado ha sido una buena obra digna de representarme en la Exposicion de Graduandos. tengo que retratarla y ponerla aqui. Lo mejor es que creo que tengo tiempo para hacer una pequena obra adicional antes del fin del curso.

Donde estoy?

Estoy ya pronto a terminar el poliptico. estoy muy orgulloso de como se ha ido cuajando y creo que me dara tiempo a hacer una obra adicional antes de que termine este trimestre. Proximamente incluire una foto, probablemente cuando lo termine

En mi investigacion, estoy leyendo el libro de David Hockney Secret Knowledge. Si su hipotesis fuera cierta, resultaria que los artistas plasticos europeos han estado usando artefactos afines a la fotografia desde los 1520's. No solo eso; segun Hockney, el uso rutinario de estos artefactos ha sido el responsable del enfasis en la plastica occidental en los contrastes de luz y sombra y en dar la apariencia de tridimensionalidad.

Fede, chequea:

Art in an Age of Anxiety:
http://www.unisa.edu.au/samstag/scholars/essays/05timms.asp

Anxiety and Alienation: Art in the Later 20th Century
http://www.associatedcontent.com/article/200318/anxiety_and_alienation_art_in_the_later.html

Fede, chequea a Guillermo Kuitca (argentino)

Corona de espinas: 1994; oleo

Diario (23 de agosto 99 a 1 de noviembre 99); 1999; medio mixto

http://www.speronewestwater.com/cgi-bin/iowa/artists/related.html?record=6&info=works&view=Inventory%20Number&item=127

Una novela para Federico

Capitulo Uno: La Prehistoria
Caravaggio transforma el lienzo en una sala de teatro y convierte a la luz y la sombra en sus dos personajes mas importantes: La luz es el progreso, la felicidad, la salida de los problemas, la iluminacion, el puente a la pureza, la apertura a la satisfaccion, la salud. La sombra es el estres, la incomodidad, la claustrofobia, el mal, la enfermedad, la pesadez que te cae encima, la locura.
Vermeer agarra los dramas de Caravaggio y los apastela bien "precious moments" produciendo estampas de momentos rutinarios de personas comunes y corrientes en interiores bien "cozy"

Capitulo Dos: Comienza la angustia del hombre moderno y nace la abstraccion
La industrializacion de la sociedad comenzo a fines del siglo 18 con la invencionde la maquina de vapor pero no golpea Europa con fuerza hasta el siglo 19 y de forma dispareja. Comienzan a manifestarse desajustes asociados a la vida urbana moderna, la angustia, la soledad, el aburrimiento cronico no tarda en manifestarse en el arte: Gauguin se escapa a Tahiti a pintar unos nativos cuyas tradiciones y vida el pensaba que eran fabulosas. Rousseau, el aduanero que nunca salio de Paris, pintaba leones, selvas tropicales, nativas voluptuosas. El Art Nouveau, como movimiento, se planteo la necesidad de embellecer la vida de las personas comunes para alegrarselas.
Kandinsky escapa por otra vertiente, tratando de recrear la tradicional espiritualidad rusa, con su aficion por la musica, produce una abstraccion con ribetes shamanicos.

Capitulo tres: Cy Twombly
Cy Twombly fue la oveja negra del expresionismo abstracto. Sus trazos delicados y colores apastelados no tenian nada que ver con la violencia y el apasionamiento de los otros. Pero tenia mucho que ver con los estudios que hizo el pintor sobre el ambiente urbano moderno y el graffitti. La grafia de Twombly es causa y efecto: el la suciedad de la urbe y, a la vez, la ruta a la salvacion, el regreso a la ninez.

Capitulo cuatro: Los contemporaneos
Algunos artistas de ahora han hecho del tedio y la angustia del hombre urbano el tema de su obra.

El brillo de Romero Britto se percude

Coincidentalmente, hara unas dos semanas que alguien me enseno un libro de la obra de Britto que habia traido de Miami, donde, me aseguro la persona, Britto es el artista de moda entre los coleccionistas de arte. Al mirar el libro, conclui lo siguiente: Britto es un maestro del color y un excelente artista grafico; pero su obra me aburre a morir. No detecte diferencias significativas entre lo que hizo diez anos atras y lo que hace hoy. No hay crecimiento ni evolucion. Todo es tan edulcorado, tan "precious moments", QUE ASCO

XXVI Simposio de los Recursos Naturales

En el Nuevo Centro de Convenciones de Isla Grande se estara celebrando el XXVI Simposio de Recursos Naturales, de 8:00 AM a 6:00 PM, miercoles 24 y jueves 25 de este mes. Se que es una actividad bien tecnica y que es en horas de trabajo, pero por otro lado, es gratuita y de entrada libre. Yo estare participando en dos ponencias:

"Compatible Fishing Regulations in the US Caribbean: How Compatible are the Regulations Between State and Federal Waters?"
Miercoles 24 a las 1:30 PM, como coautor, la deponente sera la Sra Graciela Garcia-Moliner; y

"La multiplicacion de los peces: Sobre la proliferacion de organismos exoticos en los cuerpos de agua de Puerto Rico durante los ultimos quince anos."
Jueves 25 a las 8:30 AM, como autor y deponente.

Estan todos invitados.

Rio Loiza

Profe, necesito que me repita la referencia que me dio anoche en la clase.

Primera entrada del segundo trimestre: Sacando la basura y puliendo la plata

Estoy tratando de todavia de sacar un balance de la segunda evaluacion del trabajo de Seminario por parte del comite de facultad y todavia no logro separar la paja del grano Si ustedes hacen memoria, la clase siguiente dije que mi preocupacion principal era la critica del poco trabajo realizado. Si se fijan en el blog de la profesora, efectivamente parece ser el punto mas criticado. Donde estan los crietrios que sustentan esa critica?. Como un profesor que no participo de la primera evaluacion puede saber lo que yo presente en ese momento? La comparacion con los estudiantes diurnos es prejuiciada, maliciosa e injusta. Los estudiantes diurnos no solo tienen un ano completo para hacer lo que a nosotros nos requieren en dos trimestres, sino que tambien tienen muchas mas horas libres en la semana para hacerlo. Y que me dicen de la norma escrita de la Escuela de que el trabajo del Seminario puede constar de una sola obra? Me parece que para que un profesor visitante pueda tener una idea de la cantidad de trabajo realizado, no es suficiente ver lo que presenta la noche de evaluacion, debe tambien entrevistar al estudiante para determinar los pasos dados en el proceso de trabajo y debe entrevistar al profesor de Seminario para preguntar sobre lo presentado y discutido en clase. Eso no se hizo en el caso de esta evaluacion. Los profesores llegaron y dictaminaron como los dioses del Olimpo.

Otra situacion perniciosa fue el pasar por alto que se estaba haciendo una evaluacion de medio termino y criticar como si los estudiantes tuvieran la obligacion de haber presentado una obra terminada. Y que no me vuelvan a decir que hay que hacer varias obras para escoger una! A menos que eso sea una regla impuesta por la Escuela, el numero de obras lo escojo yo dentro del proceso de discusion con el profesor del Seminario.

Puedo aceptar que un profesor intente pasar una preferencia o gusto personal como una regla de la plastica. Despues de cinco anos aqui ya estoy acostumbrado a los profesores de taller que tienen esa mala costumbre. Lo que no acepto es que haga su critica de manera personalista y humillante. Para contestarle a don luiggi, Si profesor he tomado, no solo Teoria del Color, y todos los demas cursos requeridos por su Escuela, excepto tres electivas libres. Obviamente, tengo en mi mente todavia los preceptos de ese curso y usted ya no, pero no se lo voy a tomar a mal, es normal que las cosas que no se practican se olviden con el tiempo. Ah, lamento su alergia al color blanco, pero eso es un problema suyo, no mio. Estoy bien consciente de las propiedades de ese color, se le ha ocurrido a usted alguna vez que cuando un estudiante usa un color opaco o sucio es porque, precisamente, quiere ahi un color opaco o sucio, independientemente del gusto de los demas? Y antes que se me olvide don, si usted encuentra algun dia una formula de pintar una piel blanca sin usar el color blanco, sientase en la confianza de pasarmela, porque yo he trabajado con muchisimas formulas para diferentes tonalidades de piel blanca y francamente, la presencia del blanco es indispensable en todas ellas.

En cuanto a la composicion de mi obra y la forma que fluye la vista, insito en lo siguiente: parte del concepto de mi obra es un poliptico que rompa con algunas de la formulas de ese formato. Mi reto es hace que las formas y el color guien la vista. Estoy consciente del problema que he escogido, pero eso es algo que se ira solucionando segun vaya terminando mi obra. Cuendo uno escoge proyectos de complejidad conceptual no se puede exigir que uno produzca un lienzo por semana, pues se necesita tiempo y trabajo para ir resolviendo los problemas de diseno o composicion que se vayan presentando. Los bocetos pueden anticipar algunos de esos problemas, pero no todos. Esa es la gran diferencia entre los trabajos que se exigen en el taller de un curso normal y el trabajo que se exige como obra de Seminario.

El proceso en el taller

18" x 24"

poliptico de 5 piezas

aprox. 48" x 96"

Estas son las dos obras que he venido desarrollando durante la duracion del Seminario en este trimestre. La primera, el retrato pequeno, esta terminada. El poliptico esta en PROCESO.

El proceso

Wolfgang Tillmans (Alemania)
Suzanne y Lute, vestido blanco y falda militar
foto-1993

Cuando estaba terminando mi segundo ano en la Escuela, una profesora me dijo que debia comenzar mi trabajo de seminario un ano antes de matricularme en el, pues de otra manera no me daria el tiempo. Aunque en el momento me parecio algo exagerado, siempre recorde eso y hace aproximadamente un ano empece el proceso de trabajo para la obra del seminario.

Lo primero fue escoger que queria hacer. Siempre me ha fascinado el retrato y decidi trabajar en ese genero. Ahora bien: ?Que hacer? ?Como hacerlo? Sabia que si usaba modelos vivos tendria que buscar los modelos, pagarles, buscar un lugar apropiado donde trabajar, ambientar el lugar y quizas pagar por su uso tambien. De la historia del arte se desprende que los pintores, de Courbet en adelante, han fotos para desarrollar obra, asi que empece a estudiar el uso de fotos en la pintura: Courbet, los impresionistas, los neorealistas y los dada fueron los precursores, los que trabajaron con unas camaras fotograficas todavia muy costosas y de dificil manejo. Luego de la Segunda Guerra Mundial comienza a desarrollarse la tecnologia fotografica, primero para desarrollar camaras pequenas y manejables y luego para incorporar color. entoces comienza el uso moderno de la foto: en los medios de comunicacion y el llamado arte publicitario, en el Arte Pop hasta llegar a ser una herramienta indispensable y comun para todos los artistas.

El desarrollo de computadoras personales y de programacion para retocar o editar fotos con facilidad ha viabilizado el desarrollo de nuevas formas de dibujo y pintura.

Guillermo Kuitca (Argentina)

Idea de una pasion

pintura-1982

Estudie el uso de la fotografia en la pintura. No solo libero al artista de la necesidad de tener modelos vivos todo el tiempo, tambien proveyo nuevas formas de mirar las cosas. Los angulos, las deformaciones visuales, los acercamientos, los colores y luces chuecos, los efectos producidos por los filtros y lentes y luego por los programas de edicion digital. Observe como se usan las fotos en el arte publicitario, en las ilustraciones de libros, en los comics/mangas, a los neoexpresionistas de los 80, al arte kitsch, a los postmodernos. Estudie tambien fotografos; las terribles imagenes de Nan Golding y la estetica punk de Wolfgang Tillmans me han influenciado tanto como lo han hecho Caravaggio, los nabis y varios pintores contemporaneos.

Nan Golding (EE. UU.)

Autorretrato despues de un asalto

foto-1989?

Un dia, mientras visitaba a mis padres en Ponce, me puse a hojear sus albumenes de fotos familiares. Estas fotos nunca me habian llamado antes la atencion. Las consideraba sensibleras, banales, llenas de gestos forzados. Sin embargo, en ese momento vi otras cosas. En esencia, note como los colores, las luces, los angulos, los gestos de esa fotos familiares eran muy similares a los que veia en el arte publicitario y en las fotos y pinturas artisticas contemporaneas. Y me di cuenta que las fotos familiares y personales son, hoy en dia, una fuente fundamental de ideas, de conceptos de imagenes, para los artistas plasticos, cuya mirada esta tan influenciada por los medios y por la tecnologia visual como la mirada de las personas comunes y corrientes que toman fotos de sus parejas, de sus amigos, de sus hijos, de sus perros. Ese dia tome la determinacion de desarrollar mi obra de seminario a partir de mis retratos familiares.

Puse manos a la obra, empece a pintar. Los primeros cuadros fueron con imagenes muy similares a las que aparecian en las mismas fotos. Luego, comence a jugar mas con la imagen, segun me hacia consciente que los retratos me evocaban recuerdos, cuentos, juegos, noticias, personajes y traumas del pasado. Produje una serie de retratos entes de matricularme en el seminario que muestro al principio de este blog.

El curso de Pintura Interdisciplinaria, que tome en marzo-mayo pasados con la profe (Rosina Santana) se constituyo, extranamente, en parte de ese proceso. Para dicho curso, desarrolle una propuesta donde puse a companeros de oficina a dibujar y pintar con crayolas y despues monte una exposicion espontanea de dichas obras en el lugar donde trabajado, en contra de las normas establecidas. Los sentimientos de angustia y estres que tuvieron esos companeros al pedirles que pintaran aunque no supieran y que me permitieran exponer sus obras con los riesgos que habian, contrastaron con la alegria y el alivio que les produjo ver sus obras expuestas al publico. La experiencia me demostro como la pintura constituye una experiencia personal intima tanto del artista como de los expectadores que llegan a ver su obra y como esas experiencias individuales se transforman en una experiencia compartida.

Exposicion de la obra de todos

Foto-documentacion de obra interdicisplinaria de Felix A. Grana Raffucci y sus companeros de oficina

2007

Los resultados de ese trabajo y el impacto que tuvo en mi produjeron una necesidad de incluir elementos narrativos en mi obra. Entre otras cosas estos elementos incluyen el uso de un fondo abstracto, el uso de figuras animales simbolicas y la reinterpretacion (no la mera reproduccion)de imagenes sacadas de mis fotos personales.

En una proxima entrada incluire una foto de mi obra da seminario, tal y como esta al momento.

Del Pop

Estoy familiarizado con la calificacion que usualmente se da entre obra pop y superficialidad. Ya se ha vuelto absolutamente comun establecer unas formulas criticas para ciertos estilos de arte: pop=banalidad; expresionismo=emocionalismo; realismo=preciocismo, etc. Yo entiendo de donde salen esas opiniones pero no las comparto. En cuanto al Pop, entiendo que es un genero que supo comprender el impacto que los medios han tendo sobre la psique de todo el mundo. Puedo entender cuando se opina que producir una imagen que idolatre a Brad Pitt solo puede salir de una mente superficial y que en el momento de homenajear personajes, debieran usarse aquellos que han hecho aportaciones reconocidas a la sociedad, and so on.

Yo creo que estos criticos no entienden el alma humana. Podra parecer estupido, pero de la misma manera que hay personas que se aprenden de memoria todos los datos de todos los juegos de las Grandes Ligas y hace de eso algo fundamental en sus vidas, hay personas que entienden que una cancion de Manny Manuel o un personaje filmico de Brad Pitt representan aquellos momentos en sus vidas cuando pudieron trascender, ser mas que humanos, tocar por un instante la divinidad. Para estas personas Yolandita Monge sera siempre una diosa y un personaje como Luis Munoz Marin carecera siempre de significado, de trascendencia. Es por eso que, para dar un ejemplo, en Estados Unidos, el recuerdo de Elvis Presley se ha transformado en un verdadero culto. Y creo que esa es la mas grande aportacion de los artistas pop y de sus obras "banales".

Gracias profe, por la sugerencia de ver a Stella Vine. Esa obra me recordo que tenia que espepitar lo de arriba.

De lo imprevisto (saludo a Federico)

La ultima entrada de Federico en su blog debiera ser leida por todos. Se refiero a lo imprevisto en el proceso de hacer una obra, en el momento cuando la parte de planificacion de la obra ya supuestamente habia terminado y tenemos el pincel o la brocha saturados de pintura manchando el soporte. Se han escrito tratados completos sobre aquellos artistas, criticos, filosofos, que opinan que el canvas habla y dicta la imagen que finalmente se plasmaran, mientras que otros opinan que son pamplinas, que si el subconsciente, que si la prisa de ultima hora selcciona imagenes del banco de datos de la memoria, etc.

Yo lo que se es que cuando yo pinto (o dibujo, pero me pasa mas en la pintura) (y esto es una gran parte del placer que me da pintar), las imagenes se mueven y los colores cambian y las ideas fluyen y se escriben historias nuevas, inesperadas, que a veces se me hace dificil explicar de donde salen. Los personajes se trasmutan, se transvisten, cambian de edad, de rol, de sexo. Quizas por eso la ilustracion, especialmente aquella que es narrativa, como la de los comics, me llama tanto la atencion.

Por eso me es tan dificil explicar, cuando comienzo una obra, de que trata, o que es lo que quiero decir, o cual es su diseno. Por que ya he aprendido que el principio no es el final. Que entre ambos puntos hay un camino recorrido, una vida vivida, lecciones aprendidas y tambien, oportunidades perdidas. Y ese camino surge de la mera accion de intervenir un soporte y fluye hasta que se agota sin que yo intervenga significativamente (intervengo en aquellos poquisimos momentos en que el chorrito se convierte en una cascada que amenaza con inundar sin control y dejar un bache, en vez de una mancha).

Y uno esta tan absorto bregando con el chorrito propio que se olvida que el proceso tiene su magia para todos. Y uno necesita de inocencias como la de Federico para recordar esto.

Gracias , Fede

El cliche en el arte

pintura rupestre prehistorica de Valcamonica, Italia









"Priapo"
pintura mural romana de un hogar de Pompeya


















"Los borrachos (La fiesta de Baco)"
Diego Velazquez












"Joven mordido por lagarto"
Caravaggio















"Joven con pipa"
Picasso


















"Mona Lisa LHOOQ"
Marcel Duchamp














Fang Lijun














Dice el Diccionario de la Real Academia de la Lengua Espanola que "cliche" puede definirse como "expresion demasiado repetida o formularia". El cliche mal utilizado puede ser un obstaculo a la comunicacion y una senal de falta de dominio de la manera de expresarse. Sin embargo, el cliche tambien puede anadir humor a la expresion o clarificar, utlizando el cinismo o la burla, un asunto complejo o doloroso.

Ya en las sociedades prehistoricas, el arte muestra la repeticion excesiva como una de las herramientas preferidas. Desconocemos porque estos artistas utilizaban la repeticion, quizas como un ritual, como una formula pnemonica o para enfatizar la importancia de un suceso o personaje.

Los romanos desarrollaron un arte sobrio, totalmente dependiente de su mentalidad militarista, falocratica e imperialista, pero cuando se soltaban la trenza, sabian como usar el cliche y la irreverencia.

Los clasicos fueron maestros en el uso del cliche, trasmitiendo los mensajes mas sorprendentes de manera totalmente clandestina.

Finalmente, el arte contemporaneo, sin el cliche, seria completamente diferente, seria algo muy aburrido.

Los nabis

Pierre Bonnard

Comedor con vista al jardin

1934-35

Maurice Denis

La Anunciacion

Edouard Vuillard

Autorretrato hexagonal

1890

Realistas del periodo entre las guerras

Otto Dix

Autorretrato con el hijo

Giorgio Morandi

Naturaleza muerta

1955

Felix Nussbaum

De cliches y copietas

Me parece curioso que, cuando a los criticos e historiadores locales les da por recordar la historia del arte, pasan por alto un hecho que fue trascendental en dicha historia por los dogmas que impuso sobre la misma y sobre la practica y la mirada del arte en si. Este hecho fue la Revolucion Francesa. Los jacobinos que se aduenaron de ese proceso no solo querian sustituir la casta gobernante tradicional (la nobleza) por la casta propia (la burguesia), sino que pretendieron cambiar la forma en que la humanidad completa veia el mundo que le rodeaba. Asi eliminaron el calendario solar tradicional por un nuevo calendario que giraba en torno a las fases de la luna y las condiciones climaticas. Igualmente, en el arte, decretaron que generos como el retrato, el bodegon y el desnudo masculino, serian desde ese momento en adelante, indignos de las salas y exposiciones del estado por ser generos (segun ellos) intimamente asociados a lo que ellos consideraban como la depravacion moral, la indolencia y el afeminamiento propios de la nobleza. Es interesantisimo como un genero tan aparentementemente inocuo, como el retrato, esta tan cargado de agendas, historias, juicios y prejuicios. Y es interesante como los dogmas totalitarios, patriarcales, homofobicos y misoginos de los jacobinos franceses siguen reproduciendose en boca de intelectuales que se autoproclaman vanguardistas, generacion tras generacion, independientemente del sexo de quien los evoca.
Despues de haber dicho esto, solo me queda por decir que yo pinto retratos en estilo realista porque me da muchisimo placer y, ultimadamente, por que me da la realisima gana y por que no estoy dispuesto a cargar con las agendas particulares de otros. A quien no le guste lo que yo hago, mas vale que asuma las responsabilidades de sus gustos, como yo asumo las responsabilidades de los mios.
Uno de los cliches mas comunes en nuestra EAP, es adjudicarle a cualquier estudiante que haga trabajo figurativo con gestos fuertes o colores brillantes una imaginada imitacion de los expresionistas alemanes. Imitacion, por que aqui se considera imposible que un mero estudiante (por ser estudiante) piense o actue con criterio propio. Y de los expresionistas, no se, tal vez por que son los unicos que pueden recordar al momento de abrir la boca.
En lo que a mi concierne, los expresionistas nunca me llamaron particularmente la atencion, de los artistas de esa epoca, siempre preferi artistas de otros movimientos: los nabis, Otto Dix, Morandi, por ejemplo.
Y continuare...

Dino Valls

La nave de los locos/Ship of fools
1992

Lectio

2006

A los retratistas del grupo:

Chequeen la obra del pintor catalan Dino Valls. Toma las tecnicas mas clasicas y el tema religioso tan caracteristico de la pintura espanola y las trastoca para darle una mirada moderna y una atmosfera perversa (un tanto sadomasoco para mi gusto, pero lo importante es su tecnica)

Caerulea

2005

Arcanus-Arcana

2006

La direccion es:

http://www.dinovalls.com

Las tribulaciones de Jonas

La profesora me recomendo la semana pasada traer bocetos de mi propuesta a la clase de hoy. Esto me puso ansioso, pues yo no suelo hacer bocetos, a menos que no tenga algun problema de composicion y entonces uso los bocetos para resolver el mismo. Por tanto, mis bocetos suelen ser simples, casi infantiles. A pesar del terror, me puse a intentar bocetear. No surgieron nuevas ideas, pero me di cuenta de algo muy importante: necesito desarrollar la idea en un espacio mayor. Por limitaciones de mi espacio domestico, al presente no puedo trabajar en lienzos grandes, pero voy a intentar hacer mi obra en un mosaico de lienzos. Gracias, profe...

Aprovecho el momento para presentarles dos cosas:

Primero, una muestra de una de las mayores influencias en mi obra: el manga japones. Ya se, ya se, me deberia llenar de verguenza, pero ese soy yo y ese es mi arte, deal with it.

Lo segundo que quiero presentarles hoy es la serie de obras que trabaje previo al curso para desarrollar el tema del Seminario: El uso de la foto familiar en el desarrollo de obra plastica.

GALERIA CONTEMPORANEA

Eric Fischl
Bedroom Scene #7 (After the Tantrum, Unholy News)
2004










Elizabeth Peyton
Spencer Drawing
2000










Jenny Saville
Self-Portrait
1992


















Kai Althoff
Untitled
2000



















Luc Tuymans
Bleak Diagnostic IV
1992

Propuesta Preliminar para el desarrollo de obra en el Seminario de Pintura

Introduccion

En su definicion mas conservadora, el retrato artistico se define com la representacion visual de alguna persona haciendo referencia a su personalidad, posicion social, estilo de vida, estado animico o de salud, sexualidad, etc. El retrato tambien puede desarrollarse en torno a algun animal que, por cualquier razon, se distinga de los demas animales. La vision contemporanea del retrato incluye o puede desarrollarse en torno a objetos, espacios o simbolos que puedan ser asociados con alguien en particular, sin que sea indispensable la presencia de un rostro.

El retrato, en su origen, era una herramienta propagandistica usada para destacar figuras poderosas en la comunidad (sacerdotes, guerreros, gobernantes, los muy ricos, los famosos). los primeros retratos que conocemos, donde aparecen representadas personas comunes y corrientes son los llamados retratos funerarios de Faiyum, pinturas realistas hechas en encaustica sobre planchas de madera, que se colocaban sobre los muertos en la provincia romana de Egipto, durante los siglos 1 y 2 DC. La tradicion populista del retrato romano desaparecera con dicho imperio y no sera hasta el Renacimiento (Siglo 15), que los pintores volveran a representar personas comunes como temas o personajes importantes en el retrato.

La invencion y popularizacion de la camara fotografica en el siglo 19, anadieron nuevas dimensiones a las artes, en general, y al retrato, en particular. El artista no solo se libero de la necesidad de tener un modelo siempre presente, tambien comenzo a experimentar con nuevas maneras de percibir y representar las formas, la luz y los colores y con nuevas miradas en el diseno y la composicion.

La llamada foto familiar o personal, espontanea, con personajes en variadas situaciones cotidianas, sin nungun o escaso pensamiento de diseno, borrosa en algunos casos, con luces y colores chuecos y con la funcion de preservar un momento o un rostro que fue importante solo para el aficionado que tomo la foto, fue ignorada por los artistas plasticos (con algunas excepciones) hasta el surgimiento del Arte Pop a mediados de los cincuenta. Hoy dia, sin embargo, la foto personal ha sido tema o fuente fundamental de imagenes para varios de loa mas importantes retratistas de las ultimas decadas, desde Francis Bacon hasta Elizabeth Peyton, entre otros.

II. Objetivos

• Explorar el uso de fotos familiares y personales, de mi propiedad, para el desarrollo de obra plastica, basada en retratos pictoricos
• Investigar como la espontaneidad de la foto familiar, que se refleja, entre otras cosas, en disenos y composiciones con poco o ningun pensamiento, se refleja en el retrato pictorico contemporaneo
• Explorar el uso de fotos personales como fuente para el desarrollo de pinturas basadas en la reinterpretacionde dichas fotos
• Explorar como la foto familiar sirve de herramienta creativa, estimulando el recuerdo de relatos, sucesos, imagenes y simbolos del pasado que pueden ser utilizados como temas adicionales en la pintura

III. Metodos

La obra a ser presentada constara de una serie o poliptico de retratos pintados en acrilico sobre lienzos rectangulares de diversos tamanos. Las imagenes pintadas serian reinterpretaciones de fotos a la luz de estilos, recuerdos o tematicas que dichas fotos produzcan o estimulen

IV Materiales y Presupuesto

Fotos de mi coleccion personal: libre de costo

Materiales plasticos (Referirse a cotizacion):

pinturas acrilicas de calidad profesional, varios colores

brochas y pinceles

limpiador

medio para acrilico

gesso

lienzos pre-hechos (40 x 30, 12 x 40, 22 x 30, 30 x 48)

otros

Subtotal materiales: $677.71

Enmarcado

Subtotal enmarcado: $202.00

TOTAL: $879.71